Tintoretto

Tintoretto (c. Um artista prolífico ao longo de uma longa carreira, as obras-primas do veneziano são famosas por suas cores claras, vibrantes e composição dramática. As principais obras incluem São Jorge e o Dragão, agora na National Gallery de Londres, e seu ciclo de pinturas para a Scuola di San Rocco em Veneza. A originalidade, as figuras enérgicas e a técnica de Tintoretto de usar esboços rápidos em giz e tinta seriam extremamente influentes nos artistas do século XVII dC.

Início da vida e estilo

Tintoretto nasceu em Veneza c. 1518 dC, sendo seu nome de batismo Jacopo Robusti. Ele adquiriu seu apelido mais famoso porque seu pai era um tintureiro (tintore), e Tintoretto significa 'pequeno tintureiro'. Apropriadamente, o artista se tornaria famoso pelas cores vibrantes de seu trabalho. Na verdade, um lema comumente atribuído a ele é "O desenho de Michelangelo e a cor de Ticiano" (Hale, 315), mostrando duas das maiores influências artísticas em seu trabalho. O artista começou com trabalhos modestos como móveis decorados e afrescos para paredes externas, mas seriam as pinturas, muitas vezes telas muito grandes, que se tornariam seu forte.

De acordo com Carlo Ridolfi, que escreveu sua biografia de Tintoretto em 1648 CE (Le maraviglie dell'arte), o jovem artista estudou com seu colega veneziano Ticiano (c. 1487-1576 DC), e é verdade que suas pinturas combinam as posturas dramáticas e a composição vistas na obra de Michelangelo (1475-1564 DC) e os ricos cores usadas por Ticiano. Tintoretto, porém, era um desenhista excelente, e aqui ele se diferenciava de seu antigo mestre, que preferia a técnica de colore (ou colorito), que é usar a justaposição de cores para definir uma composição, àquela de disegno, a técnica que enfatizava a importância de definir a forma por meio de linhas. Ridolfi menciona que a relação de Ticiano e Tintoretto era turbulenta e talvez essa divergência de técnica, cor versus desenho a linha, fosse fonte de muita disputa.

Outra característica do estilo artístico de Tintoretto é a fonte de luz, que muitas vezes cria áreas incomuns e dramáticas de cores e sombras na cena. O efeito foi alcançado pelo artista criando primeiro um modelo em cera em miniatura da figura humana que ele queria pintar e montando vários desses modelos dentro de uma caixa. Os modelos podem então ser movidos e uma fonte de luz artificial disposta em diferentes posições para criar efeitos diferentes e incomuns de luz e sombra. A energia que Tintoretto então incutiu em suas figuras musculosas com suas posturas inusitadas - o que viria a ser conhecido como estilo maneirista ou maneirismo - e a rapidez com que desenhava com giz ou tinta para captar a fluidez dos movimentos do corpo humano, todos atuaram como uma grande influência sobre os artistas que o seguiram no século 17 EC. Durante sua própria carreira, no entanto, a velocidade com que Tintoretto pintava e às vezes a falta de acabamento em sua obra foi uma fonte frequente de críticas.

As pinturas de Tintoretto costumam apresentar pinceladas rápidas, pelo menos nas camadas finais da obra.

Tintoretto chamou a atenção pela primeira vez depois de pintar uma grande série de painéis de teto octogonais com cenas mitológicas em um palácio veneziano particular. Isso foi seguido por uma série de afrescos para o Palazzo Zen na mesma cidade, desta vez em colaboração com Andrea Meldolla (também conhecido como Schiavone). Infelizmente, apenas fragmentos desses afrescos sobreviveram, mas a técnica, rápida tornada necessária pela rapidez da secagem da tinta, deve ter interessado Tintoretto, pois suas pinturas posteriores costumam mostrar as mesmas pinceladas rápidas, pelo menos nas camadas finais da obra.

Oficina Tintoretto

Em 1555 EC, Tintoretto casou-se com Faustina Episcopi, com quem teve oito filhos. Na década seguinte, o artista se ocupou com pinturas com tema bíblico para a igreja Madonna dell'Orto de Veneza. Tintoretto permaneceu em Veneza durante a maior parte de sua carreira, onde ganhou comissões de várias autoridades cívicas, instituições de caridade e do Doge (governante) da cidade. O pintor veneziano dirigiu uma grande oficina para atender à demanda, supervisionando a produção de pinturas sobre todos os tipos de assuntos religiosos, embora as peças alegóricas parecessem ser suas favoritas. A fama do artista garantiu que sua oficina fosse visitada por artistas de todo o mundo, inclusive da Holanda e Alemanha. Foi também nessa oficina que Tintoretto treinou seu filho, Domenico Tintoretto (c. 1560-1635 dC), que mais tarde se tornou um pintor famoso por seus próprios méritos, especialmente de retratos. Mais dois filhos de Tintoretto eram aprendizes, seu filho Marco (1561-1637 dC) e sua filha Marietta (c. 1556-1590 dC). Domenico certamente trabalhou em várias peças com seu pai, e foi ele quem continuou a dirigir a oficina quando seu pai morreu em Veneza em 1594 EC. Tintoretto foi enterrado na igreja de Madonna dell'Orto.

História de amor?

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Obras Principais

O Milagre de São Marcos

As pinturas de Tintoretto podem ser amplamente divididas em três áreas principais: temas religiosos, alegorias mitológicas e retratos. Em 1548 dC, Tintoretto produziu seu célebre Milagre de São Marcos resgatando um escravo, agora na Academia de Veneza. Encomendado pela Confraria de San Marco, é um triunfo da luz e das trevas e surpreendeu o seu público com a sua energia e drama. A representação em queda e retorcida do santo padroeiro de Veneza no centro da imagem é altamente incomum para uma pintura e parece mais adequada para um afresco de teto. É uma clara influência da obra de Michelangelo. A multidão se contorcendo fornece outra fonte de movimento frenético, as figuras dispostas, como tantas vezes na arte renascentista, em um triângulo aproximado. O mártir nu em primeiro plano é reduzido e conduz o olhar do espectador irresistivelmente para a multidão. Em um exemplo típico de deferência artística da Renascença aos patronos, o chefe da confraria, um certo Tomasso Rangone, aparece no canto esquerdo inferior da pintura. No entanto, o fato de que a confraria não tomou posse da pintura até 14 anos após sua conclusão sugere que a obra era radical demais para aceitação imediata.

Por volta de 1555 dC, Tintoretto produziu outra obra-prima, Susanna em seu banho, que mostra a história da figura bíblica que toma banho sendo espionada por dois velhos. A figura nua de Susanna e os elementos prateados da composição são incrivelmente brilhantes em comparação com os elementos sombrios do fundo.

São Jorge e o Dragão

o São Jorge e o Dragão a pintura, produzida por volta de 1570 dC, é outra das grandes obras-primas. A cena exibe características típicas do estilo de Tintoretto. Em primeiro lugar, a paisagem de fundo parece flutuar para o infinito, esticando a cena e trazendo as figuras humanas para mais perto do observador. A cidade de paredes brancas no fundo da pintura é pintada de uma forma tão vaga que parece irreal. Então, as duas figuras na pintura estão simplesmente explodindo de energia. Além disso, ambos os números parecem estar desequilibrados. São Jorge está caindo para a esquerda e ligeiramente para longe do observador, enquanto a figura feminina em primeiro plano parece estar caindo para a frente em direção ao observador enquanto foge do dragão. A tensão causada por esse movimento polar é algo que pode ser visto em muitas das pinturas do artista. Por fim, a luz que brilha da figura angelical no céu é disposta de forma a se assemelhar a um holofote de palco, lembrando a técnica do artista de usar modelos de cera em miniatura. Uma pintura quase contemporânea do São Jorge é A Origem da Via Láctea, agora na National Gallery de Londres.

A Scuola di San Rocco

Embora ainda produza as pinturas já mencionadas, a principal encomenda de Tintoretto, talvez a maior obra de sua vida, foi a série de pinturas a óleo sobre tela na Salla dell'Albergo e no hall inferior da Scuola Grande di San Rocco de Veneza. Scuole eram organizações de caridade, e a de San Rocco podia pagar essas decorações luxuosas porque estava indo muito bem com as contribuições públicas. Isso porque São Rocco era considerado um grande protetor contra a Peste Negra, que devastava a Europa pela enésima vez. Tintoretto havia vencido o concurso para ver qual artista iria decorar o scuola entrando secretamente em um de seus quartos e pendurando uma de suas pinturas. O artista também fazia parte da confraria e isso, junto com a promessa de dar algumas pinturas de graça, deve ter ajudado na sua licitação. Um comitê especial de três homens foi, no entanto, criado pelo scuola, a fim de examinar e julgar se cada pintura era digna de inclusão.

As pinturas de Tintoretto são celebradas pela iluminação, perspectivas distorcidas e ação implacável dentro das cenas.

Iniciado em 1564 dC, Tintoretto continuou a trabalhar na sala pelos 17 anos seguintes. As obras acabadas foram penduradas nas paredes e no teto, e mostram cenas do Antigo Testamento, a vida de Jesus Cristo e episódios envolvendo a Virgem Maria. As obras incluem a enorme tela de 12,2 metros (40 pés) de largura da Crucificação, a Cristo antes de Pilatos, e Moisés tirando água da rocha. As figuras nessas obras são notáveis ​​pela iluminação, perspectivas distorcidas e ação implacável dentro das cenas.

As ideias originais que Tintoretto produziu para o scuola levou o famoso historiador de arte Giorgio Vasari a comentar na atualização de 1568 dC de seu As vidas dos mais excelentes arquitetos, pintores e escultores italianos, que Tintoretto foi "o cérebro mais extraordinário que a arte da pintura já produziu." (Pallucchini). E isso quando Vasari ainda não tinha visto as obras concluídas. Quando finalmente concluído em 1581 dC, Tintoretto deu à Scuola 18 painéis de teto pintados e 10 grandes pinturas que funcionaram admiravelmente como uma narrativa pictórica dos episódios mais importantes da Bíblia.

Palácio Ducal e retratos

Em 1588 CE, o pintor italiano concluiu uma das muitas encomendas para o Doge de Veneza, o Paraíso quadro. Esta foi a maior tela que ele já produziu e foi pendurada em uma parede inteira do Salão do Grande Conselho. No entanto, agora com mais de 70 anos de idade, é muito provável que muitas das obras do palácio tenham sido executadas ou concluídas por membros devidamente qualificados da oficina de Tintoretto. Uma das obras-primas finais foi o célebre Última Ceia pintura para a igreja de S. Giorgio Maggiore. Trabalhou entre 1592 e 1594 CE, o Última Ceia é reconhecida como um tour de force do maneirismo.

Como muitos artistas renascentistas de sucesso, Tintoretto era freqüentemente chamado para produzir retratos de ricos e poderosos. Dois exemplos são sua representação do Doge Alvise Mocenigo, r. 1470-77 dC (Academia, Veneza), e o nobre Vincenzo Morosini (National Gallery, Londres). Ele até encontrou tempo para um ou dois auto-retratos, um dos quais está agora no Louvre, em Paris.


Tintoretto - História

Os estilos artísticos podem mudar muito rapidamente. Isso foi visto inúmeras vezes ao longo de toda a história da arte. Um grande exemplo de mudança de estilos artísticos pode ser visto nas pinturas da Última Ceia de Leonardo da Vinci e Tintoretto. Embora tenham sido pintados com cerca de 100 anos de diferença, ainda existem muitas diferenças. A pintura de Da Vinci foi feita no estilo da Alta Renascença, enquanto a pintura de Tintoretto foi feita no estilo do maneirismo. Essas duas pinturas diferem na mídia, layout e representação da Última Ceia.

Essas duas pinturas foram feitas com meios muito diferentes. Última Ceia por Leonardo da Vinci (Figura 1, ca. 1495 - 1498 DC) foi pintado no estilo afresco com tintas a óleo e têmpera. A razão pela qual a pintura está em tão más condições é porque da Vinci estava usando técnicas experimentais na pintura. Em vez de pintar no buon fresco estilo (aplicação de pigmentos ao gesso úmido), Leonardo usou um estilo conhecido como um secco (pintura em gesso seco). Como ele pintou no gesso seco, as cores também não se misturaram com a superfície. Isso tornou a pintura muito mais frágil e levou ao seu mau estado. Última Ceia por Tintoretto (Figura 2, ca. 1594 DC) é pintado usando meios muito diferentes. Esta pintura é feita como óleo sobre tela. Esta mídia é muito mais durável do que a pintura de Da Vinci e, portanto, está em condições muito melhores.

As diferenças entre as pinturas de Leonardo e Tintoretto da Última Ceia também surgem do layout dos eventos. Em Leonardo's Última Ceia o layout é basicamente horizontal. A grande mesa é vista em primeiro plano da imagem com todas as figuras atrás dela. A pintura é bastante simétrica, com o mesmo número de figuras de cada lado de Jesus. Há uma perspectiva de um ponto na pintura com o ponto focal na cabeça de Jesus. Este layout é muito diferente do layout visto em Tintoretto Última Ceia. Na pintura de Tintoretto, há muito menos layout estruturado. A grande mesa é diagonal e aparentemente divide a imagem em duas partes separadas. Não há simetria vista na pintura de Tintoretto. Há uma perspectiva de um ponto, mas o ponto focal está afastado para o lado em uma área escura da sala. Os estilos artísticos presentes nas pinturas são muito diferentes isso pode ser visto pelas diferenças em seus layouts.

As pinturas também diferem na forma como o artista retratou o evento. Na pintura de Leonardo, apenas Jesus e os discípulos são mostrados. A cena mostrada é o momento logo depois de Jesus dizer que um de seus discípulos o trairia. Por causa dessa proclamação, há algumas discussões ocorrendo entre os discípulos. Apesar da discussão, Jesus mostra uma sensação de calma que desvia a atenção do pandemônio ao redor. A imagem em Tintoretto's Última Ceia é muito diferente. Muitas figuras são mostradas nesta pintura, além de Jesus e os discípulos. Existem servos, servidores, anjos e animais. Além disso, a cena mostrada nesta pintura é diferente. Os discípulos ainda estão fazendo as refeições, sem fazer ideia do que está por vir mais tarde naquela noite. Esta imagem é muito mais complexa do que a pintura de Leonardo. Além disso, há muito mais movimento e energia. Comparar a maneira como cada artista retratou a Última Ceia mostra as principais diferenças entre as de Leonardo e de Tintoretto Última Ceia.

Leonardo e Tintoretto, embora ativos com apenas 100 anos de diferença, ainda são muito diferentes artisticamente. Leonardo pintou no estilo da Alta Renascença, enquanto Tintoretto pintou em um estilo conhecido como Maneirismo. As diferenças entre os dois artistas e seus estilos podem ser vistas comparando suas pinturas da Última Ceia. A comparação específica da mídia, layout e representação da Última Ceia mostra as diferenças artísticas.

Gardner, Helen, Fred S. Kleiner e Christin Joy. Mamiya. A Arte através dos Séculos de Gardner / Fred S. Kleiner, Christin J. Mamiya. Belmon, CA: Thomson Wadsworth, 2005. Print.


Tintoretto - História

Jacopo Tintoretto, A Madonna dos Tesoureiros, 1567, óleo sobre tela, total: 221 × 521 cm (87 × 205 1/8 pol.), Gallerie dell'Accademia, Veneza

Washington, DC — Jacopo Tintoretto (c. 1519–1594) foi um competidor formidável durante sua vida para os pintores venezianos Ticiano e Veronese, mas ele caiu para o status secundário nos séculos seguintes. Agora, coincidindo com o 500º aniversário de seu nascimento, uma exposição marcante em exibição de 24 de março a 7 de julho de 2019 na National Gallery of Art de Washington, reafirma sua posição como um dos maiores pintores italianos do século 16. A primeira retrospectiva em grande escala do artista na América, Tintoretto: Artista da Veneza Renascentista apresenta uma visão geral completa de seu trabalho, graças a muitos empréstimos importantes viajando para os EUA pela primeira vez. A exposição está em exibição até 6 de janeiro de 2019, no Palazzo Ducale de Veneza, onde é a peça central das celebrações em toda a cidade no local de nascimento de Tintoretto.

A apresentação da Galeria é composta por 46 pinturas e dez desenhos. A maioria das pinturas são imensas, estendendo-se por nove, dez ou até cinco metros no caso de Paradiso (modello) (c. 1583, Museo Thyssen-Bornemisza). Outros destaques da exposição são uma galeria dedicada a retratos, revelando que Tintoretto foi um dos grandes retratistas de sua época, um grupo substancial de obras emprestadas da Gallerie dell'Accademia e do Palazzo Ducale e um filme com vistas deslumbrantes das pinturas do artista em suas configurações venezianas. Entre os empréstimos que saíram da Itália pela primeira vez, estão quatro que passaram por grandes projetos de conservação recentemente, patrocinados pela organização sem fins lucrativos americana Save Venice. Um daqueles, São Martial em Glória com São Pedro e São Paulo (1549, Igreja de San Marziale) será instalado fora da exposição no Lobby B. do Edifício Oeste.

Duas exposições adicionais completam a celebração da Galeria das realizações de Tintoretto como pintor e desenhista, além de explorar as influências e inovações de outros grandes gravadores em Veneza no século XVI. Desenho na Veneza de Tintoretto (24 de março a 9 de junho de 2019) oferece novas idéias sobre sua evolução artística, procedimento de trabalho e prática de oficina em aproximadamente 80 dos melhores exemplos de cerca de duas dezenas de coleções públicas e privadas. A exposição é organizada pela Morgan Library & amp Museum de Nova York, onde estará em exibição até 6 de janeiro de 2019. Gravuras venezianas na época de Tintoretto (24 de março a 9 de junho de 2019) apresentará cerca de 30 gravuras, desde fontes críticas para a formação artística de Tintoretto até respostas gráficas marcantes à expressividade do estilo de Tintoretto. Extraída principalmente da coleção permanente da Galeria, esta exposição só pode ser vista em Washington e inclui águas-fortes de Schiavone, gravuras soberbas de Agostino Carracci e as extraordinárias xilogravuras de Giuseppe Scolari.

A exposição é possível em parte pelo Círculo de Exposições da Galeria Nacional de Arte. A Save Venice forneceu fundos significativos para a conservação em apoio à exposição. A mostra é apoiada por indenização do Conselho Federal de Artes e Humanidades.

Organização da Exposição e Curadores

A exposição é organizada pela National Gallery of Art, Washington, e pela Fondazione Musei Civici di Venezia, com a colaboração especial da Gallerie dell'Accademia, Veneza.

Os curadores da exposição são os especialistas em Tintoretto, Robert Echols, acadêmico independente, e Frederick Ilchman, presidente do departamento de Arte da Europa e a Sra. Russell W. Baker, Curador de Pinturas do Museu de Belas Artes de Boston.

Palazzo Ducale, Veneza, 7 de setembro de 2018 - 6 de janeiro de 2019
National Gallery of Art, Washington, 24 de março a 7 de julho de 2019

Destaques da exposição

Nascido em Veneza por volta de 1518/1519 como Jacopo Robusti, o artista adotou o apelido de Tintoretto, ou "quotthe little dyer", identificando-se como filho de um tintureiro. Embora basicamente autodidata, Tintoretto pode ter passado breves períodos como aprendiz na oficina de Ticiano e como pintor decorando móveis. Em 1538, os documentos indicam que ele estava trabalhando como artista com sua própria oficina. Sua primeira pintura datada, A Virgem e o Menino com os Santos (1540, coleção particular), aparece na primeira galeria da exposição. Embora existam alguns registros das primeiras encomendas de obras decorativas para fachadas e interiores (exemplos destas últimas estão em exibição na exposição), na época de sua Auto-retrato (c. 1546/1548, Museu de Arte da Filadélfia), ele ainda não havia conseguido uma grande encomenda pública. No entanto, Tintoretto estava confiante em suas habilidades e se apresentou em seu autorretrato como um desafiador ousado e intensamente focado na tradição conservadora da pintura veneziana. A pintura é um dos dois únicos autorretratos sobreviventes do artista; o outro, pintado no final de sua vida, encerra a exposição.

Outros primeiros trabalhos em exibição nas duas primeiras galerias, como A conversão de São Paulo (c. 1544, Galeria Nacional de Arte) e Vênus e Marte surpreendidos por Vulcano (c. 1545/1546, Alte Pinakothek, Bayerische Staatsgemäldesammlungen), ilustram as experiências do artista com cores harmoniosas ricas, aplicação pesada de tinta, luz e sombra dramáticas e movimento enérgico das figuras. Esses elementos viriam juntos em seu trabalho inovador, O milagre do escravo (1548). Pintado para a Sala Capitolare da Scuola Grande di San Marco, uma prestigiosa confraria de leigos, foi a primeira grande comissão pública de Tintoretto e trouxe-lhe um novo nível de sucesso e fama. Comissões que Tintoretto recebeu após o sucesso de O milagre do escravo estão em exibição na terceira galeria. Criado para a agora demolida Santa Maria dell'Umiltà, A Deposição de Cristo (c. 1562, Gallerie dell'Accademia), evoca o momento bíblico familiar através de um emaranhado de figuras iluminadas com o mesmo contraste de luz e sombra como visto em O Milagre do Escravo.

Uma exceção à ordem cronológica da exposição é uma galeria dedicada exclusivamente a retratos. Embora Tintoretto tenha sido um dos retratistas mais prolíficos da história da arte italiana, esta área de seu trabalho foi obscurecida por suas pinturas narrativas mais dinâmicas e descontada devido aos muitos retratos subpares criados por sua oficina ou seguidores, mas atribuídos incorretamente ao mestre ele mesmo. Funciona como Retrato de um homem com uma barba vermelha (c. 1548, coleção particular), Homem com uma corrente de ouro (c. 1560, Museo Nacional del Prado), e Retrato de um homem com barba branca (c. 1555, Museu Kunsthistoriches, Viena), destacam-se entre os retratos venezianos da época - colocados contra fundos escuros, os temas são adornados com acessórios mínimos ou significantes de status. Em vez disso, a simplicidade das composições traz o foco para as características físicas das mãos e rostos dos sujeitos e seus olhares diretos, que são realçados por contrastes exagerados na iluminação. Também em exibição nesta seção estão dois exemplos principais de retratos de grupo de Tintoretto: A Madonna dos Tesoureiros (1567, Gallerie dell'Accademia) e Doge Alvise Mocenigo e família diante da Virgem e do Menino (c. 1575, Galeria Nacional de Arte). Emprestado fora da Itália pela primeira vez, A Madonna dos Tesoureiros é uma das contribuições mais impressionantes de Tintoretto para o gênero por sua combinação magistral de figuras, vívidos retratos individuais e pinceladas dinâmicas, visto particularmente nas vestes vermelhas dos três tesoureiros.

As galerias subsequentes apresentam encomendas adicionais ganhas por Tintoretto, incluindo a mais icônica das telas sobreviventes criadas para a Scuola della Trinità, A Criação dos Animais (1550 / por 1553, Gallerie dell'Accademia). A última Ceia, talvez a maior das representações de Tintoretto sobre o assunto, foi criada em 1563/1564 para a Igreja de San Trovaso, que pela primeira vez envia esta obra para a América do Norte. A tela monumental exemplifica a habilidade de Tintoretto em representar a figura humana em poses enérgicas - cada apóstolo gira, gira, gesticula ou se inclina em uma direção diferente. Outro destaque da exposição é um dos dois sobreviventes Modelli Tintoretto fez em preparação para sua comissão mais proeminente, Paradiso. Embora ainda seja muito grande, o modello é significativamente menor do que a obra final, que, com 23 pés de altura e 72 pés de largura, é considerada a maior pintura a óleo antiga do mundo. o modello é o culminar de seus estudos da figura humana ao longo de sua carreira - dezenas de figuras preenchem quase cada centímetro da composição, cada uma representada em uma pose única.

Uma das galerias finais da exposição reúne temas mitológicos, incluindo As nove musas (c. 1578, The Royal Collection / Sua Majestade a Rainha Elizabeth II), O Casamento de Ariadne e Baco (1578, Palazzo Ducale), e O Rapto de Helen (c. 1576/1577, Museu Nacional do Prado). Outro apresenta obras-primas da pintura religiosa criadas no final de sua vida. Todos são emprestados dos locais para os quais foram originalmente encomendados: Leitura da Virgem Maria e A Virgem Maria em Meditação (c. 1582/1583, Sala Terrena, Scuola Grande di San Rocco), O sepultamento de Cristo (1594, Igreja de San Giorgio Maggiore), e O batismo de cristo (c. 1580, Igreja de San Silvestro). Esses quatro são instalados sob o olhar atento de seu falecido Auto-retrato (c. 1588, Musée du Louvre).

Disponível em inglês e italiano, um catálogo totalmente ilustrado que acompanha a exposição, co-publicado pela Gallery e pela Yale University Press, inclui uma variedade de ensaios de curadores e outros estudiosos importantes, bem como novas pesquisas e estudos científicos do trabalho de Tintoretto. Com mais de 200 ilustrações coloridas, o catálogo de 336 páginas está disponível em capa dura em inglês e italiano em shop.nga.gov, ou ligando para (800) 697-9350 ou (202) 842-6002, fax (202) 789-3047 ou envio por e-mail [e-mail & # 160 protegido].

Criado para a exposição, este filme de 30 minutos narrado por Stanley Tucci examina a carreira e os tempos de Tintoretto e inclui imagens originais das pinturas monumentais do artista que permanecem in situ nas igrejas e palácios de Veneza. Uma versão de 15 minutos estará em exibição na mostra o filme completo será exibido no West Building Lecture Hall em alternância com um filme de 7 minutos sobre as pinturas do artista para a Scuola Grande di San Marco. Ambos os filmes estão disponíveis como empréstimo gratuito no departamento de educação, visitando nga.gov/education/teachers/video.html. Um DVD que combina a versão original em inglês com a versão em italiano também está disponível para compra em shop.nga.gov, ou ligando para (800) 697-9350 ou (202) 842-6002, enviando por fax (202) 789-3047 ou e-mail [ e-mail & # 160 protegido]. O filme foi possível pela Fundação HRH.

Palestra
Introdução à Exposição - Tintoretto: Artista da Veneza Renascentista
24 de março, 14h00
Edifício Leste Auditório
Robert Echols, estudioso independente, e Frederick Ilchman, presidente do departamento de Arte da Europa e Sra. Russel W. Baker Curador de Pinturas, Museu de Belas Artes de Boston. Segue-se uma assinatura do catálogo da exposição.

Show
Sonetos da Tumba
Parthenia com Ryland Angel, contratenor
17 de março, 15h30
Edifício Oeste, West Garden Court
Em comemoração ao 500º aniversário do nascimento de Tintoretto, Parthenia e o vocalista convidado Ryland Angel oferecem trabalhos sublimes para voz e violas por mestres do Renascimento italiano da época do soneto. Os compositores incluem Luca Marenzio, Philippe Verdelot, Jacques Arcadelt, Cipriano de Rore, Girolamo Frescobaldi e Andrea e Giovanni Gabrieli - tio e sobrinho cujas habilidades de composição foram aprimoradas em Veneza e definiram o estilo da época. O programa também apresenta o ciclo de canções de Martin Kennedy, Sonetos da Tumba (2014), para viol consort e contratenor, que explora estudos poéticos de morte e sepultamento em sonetos de Petrarca, Keats e Longfellow.

Gallery Talks
27, 28, 29, 30 de março, 13h00
Encontra-se na Rotunda do Edifício Oeste
Um passeio de 60 minutos por Tintoretto: Artista da Renascença Veneza é liderada por Eric Denker, conferencista sênior.

Visão geral de slides
Um slide de introdução a Tintoretto: Artista da Veneza renascentista
3, 5, 12, 16, 19 de abril, 13h00
3, 7, 10, 14, 17, 21, 24, 28, 31 de maio, 13h00
Edifício Oeste Sala de Palestras
Visão geral dos slides introdutórios da exposição, por palestrantes da equipe de educação, serão oferecidos várias vezes por semana.

Um slide de introdução a Tintoretto: Artista da Veneza renascentista
4, 11, 14, 18, 25, 28 de junho, 11:00
Edifício Leste Auditório
Visão geral dos slides introdutórios da exposição, por palestrantes da equipe de educação, serão oferecidos várias vezes por semana.

Edição online de pinturas italianas do século 16

Em antecipação a Tintoretto: Artista da Veneza Renascentista, a Galeria lançará uma edição online de pinturas italianas do século 16, começando com entradas sobre as obras de Ticiano, Tintoretto e Paolo Veronese da coleção permanente da Galeria. Compilado por Robert Echols, co-curador da exposição, e Peter Humfrey, professor emérito da Escola de História da Arte da Universidade de Saint Andrews, as entradas incorporam novas informações técnicas e de conservação, exploram questões de autoria e se aprofundam nos destaques de cada artista . Complementado por biografias de artistas, bibliografias, histórias de exposições e proveniência, as entradas são leituras essenciais para estudiosos e estudantes de pintura italiana.

As NGA Online Editions fornecem acesso livre e aberto às coleções apresentadas e incluem introduções de curadores, entradas acadêmicas ilustradas (cada uma precedida por uma breve visão geral), biografias dos artistas, resumos técnicos, um complemento de ensaios relacionados e mídia rica. Recursos adicionais incluem um ambiente de leitura personalizado onde os usuários podem visualizar textos acadêmicos ao lado de imagens, notas e figuras comparativas, uma ferramenta de comparação de imagens que permite aos usuários visualizar imagens primárias e comparativas lado a lado ou explorar imagens técnicas por meio de técnicas de sobreposição e cross-fading e recursos de pesquisa aprimorados. Esta edição online segue um volume online anterior focado em pinturas italianas dos séculos 13 e 14 e volumes de impressão em pinturas italianas dos séculos 15, 17 e 18.

Jantar inspirado em Tintoretto

Garden Café apresenta uma variedade de pratos inspirados na culinária da Veneza renascentista com queijos regionais, frutos do mar frescos, ingredientes sazonais e sobremesas tradicionais. Itens inspirados em Tintoretto estão disponíveis durante a semana (veja o menu completo aqui) e buffet de brunch de fim de semana (veja o menu completo aqui). Localizado no Edifício Oeste, o Garden Café está aberto de segunda a sábado, das 11h30 às 15h00. e domingo das 12h00 às 16h00 Para grupos de quatro ou mais, ligue para 202-712-7453 para reservas.

Contato de imprensa:
Isabella Bulkeley, (202) 842-6864 ou [e-mail & # 160 protegido]


Tintoretto: um dos maiores pintores da história de todos os tempos

“A Madona dos Tesoureiros”, 1567. Jacopo Tintoretto. Gallerie dell’Accademia, Veneza. Scala / Ministero per i Beni e le Attivitàculturali / Art Resource, NY.

É possível que Tintoretto venha a revelar-se o pintor renascentista mais importante para o século XXI. Também é possível que você, como eu, saia dessa rara e maravilhosa retrospectiva da National Gallery of Art se perguntando se a mão dele foi a mais virtuosa que já empunhou um pincel.

Fiquei surpreso com esta exposição. Depois de assisti-lo no mês passado, o crítico de arte nova-iorquino Peter Schjeldahl escreveu que “você pode se embebedar com Tintoretto”. É uma métrica apropriada e talvez instrutiva de entusiasmo, já que bebe muito, você deve considerar quanto tempo pode levar para se recuperar.

Embora a história de Tintoretto paire em volumes incontáveis ​​sobre o Renascimento europeu, você não saberá que não o conhece até caminhar por essas galerias. Não se pode dar elogios suficientes aqui aos curadores da exposição Robert Echols e Frederick Ilchman, que narraram a vida e a carreira do artista de maneira tão profunda a ponto de revigorá-la. Nas últimas três décadas, eles realizaram análises quase forenses, desfazendo séculos de atribuições errôneas que suprimiram a reputação de Tintoretto.

“Venice is full of stodgy paintings attributed to Tintoretto,” says Echols.

“The bulk of our work over the last 30 years was to clarify what Tintoretto actually painted,tocapturehisindividualpersonality as a painter,” adds Ilchman. “People are confessing to us that they didn’t like Tintoretto until now.”

It turns out that Tintoretto was one of history’s greatest painters all along. But what’s more intriguing is that the quality of his work is shockingly modern.

“Certain things about Tintoretto that were audacious in his time later came to fruition,” says Ilchman. “Large paintings covering whole walls where the technique is a big portion of the content, from Rubens to Pollock— to anticipate that!”

The blunt force of the artist’s talent is on display from his earliest works. Tintoretto was essentially self-taught — another revelation from Echols and Ilchman — training with fresco painters and furniture decorators who worked remarkably fast, forgoing the careful finishing techniques of Venice’s renowned painting workshops.

“He would go anywhere to learn new ways to paint,” says Echols, “even working with low prestige painters, who toiled under the arcades of the Piazza San Marco decorating chests and furniture.”

“The Conversion of Saint Paul,” c. 1544, reveals an inchoate but explosive energy. Wisps and washes of paint dusted lightly with details, it’s a controlled chaos defined by large swaths of color.

A youthful self-portrait of delicious vanity greets you upon arrival — the first of two portraits that bookend the show. The background is void, his shirt an undefined black mass. Light concentrates around his face, from which piercing, sensitive, long- lashed eyes linger beyond the viewer from the shadow of a prominent brow.

Tintoretto was rebuked by his peers for working “too quickly.” His paintings, betraying visible brushstrokes, looked “unfinished.” But it’s precisely this quickness of brush, this “unfinishedness,” that appeals so strongly to us now. By comparison, canvases by Titian and Raphael seem tame and controlled. Tintoretto’s have a roiling, if refined, surface texture, suggesting a certain act of discovery through painting, as though he were creating masterpieces on the fly. Which, it turns out, he was.

A handful of his drawings — as well as a separate exhibition of them just downstairs — offer insights into how the artist worked so quickly, and how he thought about composition and the human form. A reclining male nude ripples with dunes of musculature, a study for “Saint George and the Dragon,” c. 1555, hanging on the opposite wall.

His enormous painted sketch for “Paradiso,” c. 1583, is a masterpiece in itself. “Paradiso” was his largest and most important mural in the Doge’s Palace, a prize commission he had eyed for decades. Christ crowns the Virgin Mary as Queen of Heaven before the ranks of the blessed, a vast congregation of angelic forms receding on clouds into infinite light. It combines the sort of loosely centralized, all-over composition that you scarcely see in Western art before 20th-century abstraction with the narrative grandeur of the Italian Renaissance.

This probably isn’t a piece that would have been displayed widely in his lifetime, but this is our privilege in looking at Tintoretto’s work today. We appreciate loose and textured virtuosity, favoring painting that flaunts the quality of the artist’s hand. “Compositional rhythms and bold color tones applied with energetic gestural brushstrokes” could just as well describe Joan Mitchell as Tintoretto.

From here, the show transforms into a spoil of wonder. “The Origin of the Milky Way,” c. 1577/79, is soaked like a rum cake with lapis lazuli, engulfed in cloths of red and gold, glimmering peacocks and cherubs with wings like exotic birds.

In the final gallery hang two immense canvases from the Scuola Grande di San Rocco, for which Tintoretto painted more than 50 canvases over 24 years. In these later paintings, and toward the end of his life, Tintoretto reorients his compositions around landscape and light, mystical and introspective.

His final self-portrait was painted six years before his death. It’s a far cry from the youthful defiance of his earlier portrait, overcome with a certain fatigue, his sunken cheeks disappearing into a wispy beard. Yet his eyes still radiate with the sensitivity of one who deeply observes the world around him.

Edouard Manet called it “one of the most beautiful paintings in the world.” He could have said that about anything by Tintoretto, and who among us would be foolish enough to disagree?


Scuola Grande di San Rocco

Jacopo Robusti, known as Tintoretto, was born in Venice in 1519, and according to tradition, after an extremely brief (only a few days, it is said) apprenticeship in Titian’s workshop, was already by the age of twenty established as an independent master.

Titian’s work was undoubtedly important for his training, but equally the influence of other Venetian painters, together with promptings derived from the nascent mannerist culture and an absorption in Michelangelo’s sculptural work, were crucial to the formation of his painterly language, characterised by rapid brushstrokes, a supple rendering of the human figure and strong chiaroscuro effects. Before becoming indissolubly linked with the Scuola di San Rocco, where he worked for over twenty years (1564-c1588), Tintoretto had already made his name with a series of masterworks, among them the marvellous St Roch Healing the Plague-Stricken for the adjacent church dedicated to that saint. But it is particularly the interaction between the unforgettable canvases – more than sixty, featuring episodes from the Old and the New Testaments – and the Scuola Grande di San Rocco that makes their pairing extraordinary to the point that one cannot call to mind the Scuola without associating it with the poetic impact of these masterpieces. Some critics have gone so far as to suggest that this pairing is Venice’s equivalent to Rome’s Michelangelo and the Sistine Chapel.


Venus, Vulcan, and Mars.

Many of Tintoretto’s paintings rely on diagonals to form the structure of the compositions. This can emphasise the drama within the painting and is a device that Tintoretto used to great effect.

His magnificent Venus, Vulcan, and Mars is a fine example of the artist’s technique. The reclining figure of Venus is placed diagonally from the top left of the painting dramatically flowing down to the right-centre of the canvas.

Vulcan stoops in a parallel position to Venus. The cupid figure rests in a cradle that runs in the opposite diagonal direction mirroring the line of the floor.

The artistic device employed by Tintoretto emphasises the drama of the scene. Adding a circular mirror to the rear wall adds depth to the painting.


Tintoretto

Tintoretto's ability to collapse emotional and physical barriers between the viewer and the viewed put the painter at odds with the established decorum of Renaissance idealism, immediately setting this Venetian School artist apart from the vast majority of his peers. His agitated brushwork set the stage for the succeeding generations of artists who would build on his legacy of artistic marksmanship, moving away from an idyllic naturalism toward an increasing sense of abstraction.

There are few details known about the childhood and early life of Tintoretto, born Jacopo Robusti. His father, Giovanni Battista Robusti, was a cloth dyer in Venice. This occupation would influence his son's artistic style surrounding the young Jacopo with colors, pigments, and other artistic mediums from infancy. This trade also inspired the name he would adopt (Tintoretto, 'the little dyer' ) and use in his signature on paintings as well as various documents. Tintoretto's training began sometime in his early teens with a brief stint as an apprentice in the workshop of the famed Venetian painter, Titian. This association did not last long, due to a strong clash of personalities between the old master and the more progressive exuberant and boundary-pushing personality of the young pupil.

Largely self-taught after this experience, Tintoretto would continue to develop his skills in part through making paintings on furniture. In Italy, at the time, there was a great demand for cassoni (ornate chests decorated with paintings), and here Tintoretto developed his distinctive approach characterized by rapidly executed loose brushwork often appearing sketch-like and, at times, incomplete. His gestural style, equated with the lower ranking cassoni painters, left Tintoretto out of favor with some of his fellow Venetian artists and patrons. The writings of the artist Giorgio Vasari, best-known today for his biographies of the Renaissance artists, illustrate just how radical Tintoretto's technique was to his contemporary audience. Vasari writes: "this master at times has left us finished work sketches so rough that the brushstrokes may be seen. Done more by chance and vehemence than with judgment and design." While this passage may read as critical, perhaps to show a preference for the internationally recognized, and considerably more polished technique of Titian, another quote shows Vasari's admiration for the bravura of Tintoretto's brushwork, citing the younger artist as "the most extraordinary brain that the art of painting has produced."

From as early as 1538, there is evidence of Tintoretto having his own workshop and referring to himself as a professional working in Venice. From the outset, the young artist set himself apart from his former teacher Titian, despite the popularity of his rival's accomplishments. Tintoretto's interest in Michelangelo's approach to painting was especially disagreeable to his former master. Tintoretto presented himself in the role of a challenger to the established tradition as embodied by Titian and identified himself instead with the newest ideas circulating in Venetian painting. In the early 1540s that meant emulating contemporary currents in Florence and Rome, and above all Michelangelo, the biggest name in all of the Italian art. Unfortunately, Titian never forgave what he considered Tintoretto's disrespect and attempted on numerous occasions to thwart the younger artist's advancement by blocking Tintoretto's success in obtaining commissions and membership in various organizations.

Despite Titian's disapproval, Tintoretto began to make a name for himself, first through a series of public works in the form of mural fresco paintings. He was able to gain work through charging extraordinarily low fees, often only covering the cost of materials, to gain exposure to a larger audience. This strategy proved successful, as Tintoretto began getting commissions, including many religious works for which he would remain best known, including multiple depictions of the Last Supper, the first of which he created in 1547. His first masterpiece, The Miracle of the Slave (1548), that brought him to the attention of the larger Venetian public and patrons.

As Tintoretto began to prosper professionally, he also flourished in his personal life. He became friends with many of the leading literary figures of the day. Then, around 1550 he married Faustina Episcopi, whose father was affiliated with the Scuola Grande di San Marco confraternity for whom he had created a painting. They would have eight children, three of whom would become artists.

In addition to church commissions, a significant source of employment for Tintoretto and other Venetian painters during the 16th century was for confraternities or scuolas. These organizations played a large role in the cosmopolitan Venetian culture, organized around a variety of purposes ranging from national origin to acts of public service, such as helping the ill and poverty-stricken. Over time, these scuolas acquired great wealth from their affluent members who provided a major source of patronage for the Venetian artists. Although Titian managed to block some of these commissions from Tintoretto, including from the Scuola Grande di San Rocco which Titian secured for himself in 1553, he never actually completed the assignment. Despite this occasion, Tintoretto was able to skillfully navigate the competitive process from which he benefitted greatly throughout his career.

Tintoretto seemed destined to face challenges by other artists despite how impressively his reputation grew. The second major competition came in the form of Paolo Veronese, who arrived in Venice in the late 1550s, publically recognized as Titian's successor. Tintoretto persevered and strengthened his status by focusing on works characteristic of his style that set him apart from the more traditional approaches of Titian and Veronese. In so doing, he made increasingly dramatic works, densely populated with figures creating rhythmic contrasts in light and dark that appeared more Mannerist than Renaissance in style.

Tintoretto often employed questionably ethical means to secure coveted commissions, at times reducing the fee for his paintings enough to undercut other artists. The most notorious example of his strategic ingenuity centered around a competition for a ceiling painting for the new meeting house of the Scuola Grande di San Rocco in 1564. The prospectus from the confraternity called for selected artists, including Tintoretto, to submit a sketch for the proposed ceiling painting. Tintoretto, rather than providing a sketch, unveiled his completed panel, already installed on the ceiling. When others objected, he presented the painting as a donation, knowing that the confraternity would be obligated to accept a gift. The strategy worked, and by promising to render all additional paintings for the house for an annual salary of 100 ducats, the artist secured an exclusive contract with numerous commissions over the following two decades. Tintoretto was also admitted into the confraternity in 1565, where he would go on to hold various offices.

Tintoretto was only known to have left Venice once to travel to Mantua, at the age of 62, in 1580. This was four years after the death of his rival, Titian, who had of all the Venetian painters, dominated the international stage. It was during this later period that Tintoretto also received a few important international commissions, including an altarpiece for King Philip II of Spain and four works for the Holy Roman Emperor Rudolf II. He also painted an increasing number of non-religious themed paintings during this time. In these later years, he also created portraits and received many commissions from the Venetian state. One of the most notable is a large-scale painting Paradiso (1592) for the Ducal Palace.

As he neared the end of his life, Tintoretto increasingly relied on the help of his studio assistants to finish his paintings, including Paradiso. Most notable of those assistants were three of his nine children: daughter Marietta and sons Domenico and Marco. Ater Tintoretto had died, his sons would continue the work of his studio for many years, perhaps still under the guidance of those words, Tintoretto had inscribed on its wall years before: Il disegno di Michelangelo e il colorito di Tiziano (The drawing of Michelangelo and the coloring of Titian).

Tintoretto left an indelible mark on 16th-century Venetian painting and beyond. His unique approach to artmaking with rapid, loose brushstrokes and strong contrasts between light and dark deeply challenged the traditional style of the iconic master Titian, Paolo Veronese, and his Venetian contemporaries. His bold compositions offered an alternative technique to the hierarchal staging of the traditional Renaissance paintings. Because of this, Tintoretto is associated with the Mannerist painters of the later Renaissance period. His influence was felt long after his own time. Tintoretto's highly dramatic, almost theatrical compositions would serve as inspiration for the development of the 17th-century Baroque art movement. The impact of his gestural style, notable for its obvious traces of his brushwork, reverberates in the passionate style of Diego Velazquez and Peter Paul Rubens. His early self-portrait, dated to 1547, is considered a precedent to those of later artists including Rembrandt, while the contemplative mood of his much later self-portrait, was described by the modernist icon Edouard Manet as "one of the most beautiful paintings in the world."

Tintoretto (Italian pronunciation: [tintoˈretto] born Jacopo Comin, late September or early October, 1518 – May 31, 1594) was an Italian painter and a notable exponent of the Venetian school. The speed with which he painted, and the unprecedented boldness of his brushwork, were both admired and criticized by his contemporaries. For his phenomenal energy in painting he was termed Il Furioso. His work is characterised by his muscular figures, dramatic gestures and bold use of perspective, in the Mannerist style.

In his youth, Tintoretto was also known as Jacopo Robusti as his father had defended the gates of Padua in a way that others called robust, against the imperial troops during the War of the League of Cambrai (1509–1516). His real name "Comin" was discovered by Miguel Falomir of the Museo del Prado, Madrid, and was made public on the occasion of the retrospective of Tintoretto at the Prado in 2007. Comin translates to the spice cumin in the local language.

Tintoretto was born in Venice in 1518, as the eldest of 21 children. His father, Giovanni, was a dyer, or tintore hence the son got the nickname of Tintoretto, little dyer, or dyer's boy. The family was believed to have originated from Brescia, in Lombardy, then part of the Republic of Venice. Older studies gave the Tuscan town of Lucca as the origin of the family.

In childhood Jacopo, a born painter, began daubing on the dyer's walls his father, noticing his bent, took him to the studio of Titian to see how far he could be trained as an artist. This was supposedly around 1533, when Titian was (according to the ordinary accounts) over 40 years of age. Tintoretto had only been ten days in the studio when Titian sent him home for good, because the great master observed some very spirited drawings, which he learned to be the production of Tintoretto it is inferred that he became at once jealous of so promising a student. This, however, is mere conjecture and perhaps it may be fairer to suppose that the drawings exhibited so much independence of manner that Titian judged that young Jacopo, although he might become a painter, would never be properly a pupil.

From this time forward the two always remained upon distant terms, though Tintoretto being indeed a professed and ardent admirer of Titian, but never a friend, and Titian and his adherents turned a cold shoulder to him. There was also active disparagement, but it passed unnoticed by Tintoretto. The latter sought no further teaching, but studied on his own account with laborious zeal he lived poorly, collecting casts, bas-reliefs etc., and practising with their aid. His noble conception of art and his high personal ambition were both evidenced in the inscription which he placed over his studio Il disegno di Michelangelo ed il colorito di Tiziano ("Michelangelo's drawing and Titian's color").

He studied more especially from models of Michelangelo's Dawn, Noon, Twilight and Night, and became expert in modelling in wax and clay method (practised likewise by Titian) which afterwards stood him in good stead in working out the arrangement of his pictures. The models were sometimes taken from dead subjects dissected or studied in anatomy schools some were draped, others nude, and Tintoretto was to suspend them in a wooden or cardboard box, with an aperture for a candle. Now and afterwards he very frequently worked by night as well as by day.

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Hints of history

Tintoretto Pennelli was born in 1999 from an idea of ​​the founder Egisto Forzini, determined to leave the paint sector to move into the artisan production of professional Fine Arts brushes.
Driven by a natural propensity and love for the artistic world, already consolidated over the course of his twenty years of experience in the Art market, he turned to the master shopkeepers and craftsmen present for generations in one of the territories that have cultivated and nurtured Renaissance painting: Arezzo, a medieval city and land of ancient traditions, located a few km from Florence.
With the help and valuable advice of the experts who for centuries have handed down the secrets and techniques of the creation of the brush, Forzini has come to know of a whole new world full of history, characterized by wise gestures and care of details, ranging from knowing how to grasp the quality of raw materials to the ultimate goal of recreating an instrument that is not just a simple tool yet the real extension of the Artist’s hand.
It is precisely this knowledge, which combines technique and professionalism with aesthetic taste, that still characterizes Tintoretto Pennelli.
Our craftsmen proudly guard the secrets and tricks of the trade handed down from the study and passion of the founder, who not only lived in contact with a reality imbued with tradition, but went back to the birth of the brush, making history a solid ground on which to base the future, Innovation.


The triumph of Tintoretto

Jacopo Tintoretto (c. 1519&ndash94) had a bumpy start. Carlo Ridolfi, his 17th-century biographer, describes how the boy was apprenticed to Titian for mere days before the older artist expelled him from his studio in a fit of jealousy. Undaunted, Tintoretto taught himself by copying the finest artists of the day. To maintain focus, the youth inscribed on a wall: &lsquoIl disegno di Michelangelo e il colorito di Tiziano&rsquo (the draughtsmanship of Michelangelo and the paint handling of Titian).

Although some scholars assume this account is apocryphal, the visual evidence of a fusion of Michelangelo and Titian seems persuasive in paintings from Tintoretto&rsquos breakthrough moment, particularly The Miracle of the Slave (1548). Here the formula is embodied by muscular figures confidently drawn and an abundance of varied brushwork exploring the possibilities of oil. Tintoretto&rsquos monumental Milagre was a watershed in Venetian art, sweeping away the measured narrative paintings of earlier generations. From that year on, any account of Venetian painting would need to accommodate Tintoretto&rsquos outsized presence.

The Miracle of the Slave (1548), Jacopo Tintoretto. Gallerie dell&rsquoAccademia, Venice

In 2018&ndash19, the 500th anniversary of Tintoretto&rsquos birth is being celebrated particularly in Venice, where he was born and spent his entire career. Even if Venice honours the artist year-round at sites throughout the city, above all the Scuola Grande di San Rocco, this autumn the Palazzo Ducale hosts the first proper Tintoretto retrospective in the artist&rsquos hometown since a massive exhibition at Ca&rsquo Pesaro in 1937 (7 September&ndash6 January 2019). For many decades it seemed that a Tintoretto exhibition was either unnecessary for Venice or impossible, given the large scale of many paintings and a persistent doubt over which works were actually by the master. The exhibition at the Palazzo Ducale, then travelling to the National Gallery of Art in Washington, D.C. (10 March&ndash7 July 2019), hopes to dispel such reservations. Co-curator Robert Echols and I were privileged to assist Miguel Falomir in his landmark Tintoretto presentation at the Prado in 2007. The Madrid exhibition proved a museum setting could convey Tintoretto&rsquos achievement through an up-to-date understanding of his oeuvre and chronology and a rigorous selection.

Saint Augustine Healing the Lame (c. 1549&ndash50), Jacopo Tintoretto. Musei Civici, Pinacoteca di Palazzo Chiericati, Vicenza

At the Palazzo Ducale the mature career will be surveyed with superb loans of paintings and drawings, including famous works, such as The Origin of the Milky Way from London&rsquos National Gallery, and the unjustly neglected. Building upon strengths in the Prado exhibition, emphasis will be given to the painter&rsquos working methods as well as his portraiture, arguing that at his best, Tintoretto is one of the elite portrait painters of the 16th century. One crucial painting, however, will be missing: The Miracle of the Slave, which exemplifies better than any other the Michelangelo-Titian synthesis of the motto. Temporary exhibitions regularly face limitations of loan availability and logistics. Some works are too fragile to travel and, in Tintoretto&rsquos case, some of his greatest paintings are too large to move safely. One is The Miracle of the Slave, more than four by five metres. What to do when a key painting is unavailable?

Our answer is twofold. First, the masterpiece will be the focus of a concurrent exhibition in its home institution. The Accademia has organised &lsquoYoung Tintoretto&rsquo, investigating the first decade of Tintoretto&rsquos activity, up to the epochal Miracle of the Slave, in the context of his most influential contemporaries. Second, in the Palazzo Ducale and National Gallery of Art venues, several carefully chosen works from 1549 convey, albeit at a smaller scale, many qualities of the missing masterpiece. These include Saint Augustine Healing the Lame, where the array of nude bodies suggests Michelangelo&rsquos Battle of Cascina, and a neglected altarpiece, Saint Martial in Glory, from Tintoretto&rsquos parish church of San Marziale. This latter work has been considered a conservative combination of Michelangelesque poses and Titianesque drapery, indeed a step back from the innovations in The Miracle of the Slave. Yet until recently its appearance was impossible to judge a restoration in the 1950s had intentionally applied a golden varnish to convey an &lsquoOld Master&rsquo quality, compounding the disfigurement of earlier overpaints.

Saint Martial in Glory with Saints Peter and Paul (after conservation), 1549, Jacopo Tintoretto. Church of San Marziale, Venice photo: Matteo De Fina, 2018

Anticipating the Tintoretto quincentenary, the American organisation Save Venice sponsored in 2017&ndash18 the conservation of 18 paintings by the artist in Venice, including the San Marziale altarpiece. After cleaning, the painting emerged as a virtuoso performance, with muscular figures bathed in a brilliant illumination. Sure to be a highlight at both the Palazzo Ducale and National Gallery of Art, this work expresses the boldness of The Miracle of the Slave and also communicates a previously unrecognised aspect of Tintoretto&rsquos art.

&lsquoTintoretto 1519&ndash2019&rsquo is at the Palazzo Ducale from 7 September&ndash6 January 2019 it will travel to the National Gallery of Art in Washington, D.C. from 10 March&ndash7 July 2019.

From the September issue of Apollo. Preview and subscribe here.


The Enfant Terrible of Renaissance Italian Art – 500 Years of Tintoretto in Venice

Tintoretto was born in Venice in 1518, as the eldest of 21 children. His father, Giovanni, was a dyer, or tintore hence the son got the nickname of Tintoretto, the little dyer, or dyer’s boy. Celebrated in his lifetime as one of the greatest painters of his day, his dynamic and innovative compositions, dramatic chiaroscuro effects, glowing colours, muscular figures, almost impressionistic, brushwork established Tintoretto’s reputation as “the world’s most daring painter” as one of his early biographers described him.

Jacopo Tintoretto, Christ among the doctors, Milan, Museo del Duomo © foto Malcangi

Renaissance art history loved legends. One of them says that in childhood Jacopo began daubing on the dyer’s walls his father, noticing his bent, took him to the studio of Titian to see how far he could be trained as an artist. Tintoretto had only been ten days in the studio when envious Titian sent him home because his drawings were so good.

What we know for sure is that no records of Tintoretto’s training survive. What we don’t know, is the attribution of his early works. There is actually not a single one firmly documented to be by the young Tintoretto. Every attribution has to be based on the visual evidence. It is a horror for art historians examining the vast oeuvre of the artist.

Jacopo Tintoretto, The Contest between Apollo and Marsyas, c. 1545, Wadsworth Atheneum Museum of Art

Tintoretto’s innovative pictorial techniques enabled him to paint rapidly. His muscular human figures in dynamic motion filled countless churches, confraternities, government buildings and private palaces. He was also the most dedicated practitioner of religious paintings in Italy in the second half of 16th century. As a fantastic storyteller, he depicted the narratives with verve and drama. The speed with which he painted, and the unprecedented boldness of his brushwork, were both admired and criticised by his contemporaries. For his phenomenal energy in painting, he was termed Il Furioso.

Jacopo Tintoretto, The Conversion of Saint Paul, c. 1545, Samuel H. Kress Collection

This self-portrait painted around 1546/1547 is timeless. It could have been painted in 16th, 17th, 18th, or 19th century. There are no clues we can follow. We only see the intense gaze, the determination, ambition and impatience of the 28-year old artist, who hadn’t yet been successful but already hungry for fame.

Jacopo Tintoretto, Self-portrait, 1547-1548, Philadelphia Museum of Art

Jacopo wasn’t a prodigy. He had to polish his talents and do some hard work to achieve what he wanted. 26 works from the first decade of Tintoretto’s career can be seen in Galleria dell’Accademia along a broad panorama of paintings, drawings and prints from Venice of the 1530s and 1540s.

Jacopo Tintoretto, The Miracle of the Slave, 1548, Gallerie dell’Accademia, Venice

The Gallerie exhibition ends with a commission which was a breakthrough for the young Jacopo. More than 13 feet high and almost 18 feet wide, the painting stood at the front of the Sala Capitolare of the Scuola Grande di San Marco, one of the major Venice confraternities. The Miracle depicts one of many posthumous miracles of Saint Mark – his rescue of a Christian slave tortured by his master, who had been enraged by the man’s pilgrimage to San Marco in Venice to venerate the saint’s relics. The drama of the scene is heightened by the theatrical contrast of light and shadow. The unveiling of the painting created a sensation and opened up a flood of commissions.

Jacopo Tintoretto, The Origin of the Milky Way, c. 1575, The National Gallery, London

Depois de Miracle of the Slave Tintoretto became a superstar. He created huge scale compositions and maintained a large family studio, where he employed numerous assistants including his three children Domenico, Marco, and Marietta. Marietta was his favourite – she probably contributed to her father’s paintings with backgrounds and figure blocking, as was the usual distribution of labor in painting workshops of the time. After her premature death at the age of 30, Carlo Ridolfi, an Italian art biographer and painter of the Baroque period stated she was one of the most illustrious women of her time, having the same manner of skill as her father while displaying “sentimental femininity, a womanly grace that is strained and resolute.”After her death, the decline in work produced by Tintoretto was ascribed to grief for his daughter, rather than the loss of a skilful assistant.

Jacopo Tintoretto, Susanna and the Elders, 1555-1556, Kunsthistorisches Museum, Vienna

Tintoretto is famous for huge canvases with mythological or religious scenes but he was also a prolific portrait-maker. The number of his portraits is enormous their merit is uneven, but the really fine ones cannot be surpassed. Sebastiano del Piombo remarked that Tintoretto could paint in two days as much as himself in two years Annibale Carracci that Tintoretto was in many of his pictures equal to Titian. This was the general opinion of the Venetians, who said that he had three pencils—one of gold, the second of silver and the third of iron.

Jacopo Tintoretto Portrait of a White-Bearded Man, 1545, Kunsthistorisches Museum, Vienna

The crowning production of Tintoretto’s life, the last picture of any considerable importance which he executed, was the vast Paradise, in size 74.1 by 29.9 feet, reputed to be the largest painting ever done on canvas. It is a work so stupendous in scale, so colossal in the sweep of its power, so reckless of ordinary standards of conception or method, that it has defied the connoisseurship for three next centuries, and has generally (though not with its first Venetian contemporaries) passed for an eccentric failure nowadays it seems to be so transcendent a monument of human faculty applied to the art pictorial as not to be viewed without awe.

Jacopo and Domenico Tintoretto, Paradise, 1588-1592, Palazzo Ducale (sala Del Maggior Consiglio), Venice

After the completion of the Paradise Tintoretto never undertook any other work of such an importance. In 1594, he was seized with severe stomach pains, complicated with fever, that prevented him from sleeping and almost from eating for a fortnight. He died on May 31, 1594. He was buried in the church of the Madonna dell’Orto by the side of his favorite daughter Marietta.

Learn more about the exhibitions:

The Young Tintoretto, Gallerie dell’Accademia, Venice, 7 September-6 January 2019


Assista o vídeo: Jacopo Tintoretto, il primo regista - Documentario (Novembro 2021).